Decoding Richard Strauss’s An Alpine Symphony

Komponere et symfonisk landskap: Caspar David Friedrichs 1818 oljemaleri, Wanderer over Fogens hav. Wikimedia Commons

"Den som klatrer på de høyeste fjellene, ler i det hele tatt tragiske skuespill og tragiske virkeligheter", sa den profetiske hovedpersonen i den tyske filosofen Nietzsche Således snakket Zarathustra. The Conversation

Richard Strauss, som allerede hadde produsert et orkesterarbeid inspirert av den boken, tilsynelatende tok dette forbudet til hjerte når han komponerte en Alpine Symphony (1915), som til tross for tittelen blir bedre betraktet som den siste av hans "tonedikt".

De åtte tidligere tone-diktene, single-movement orkesterstykker med titler og prefaces som knytter musikken til litteratur eller annet emne, hadde gjort Strauss til en av de mest berømte (og kontroversielle) komponister av hans dag. Men selv om han fortsatte å komponere til sin død i 1949, konsentrert han deretter på opera i stedet for orkestermusikk.

En alpinsymfoni markerer derfor enden av en epoke, både for komponisten og for tysk symfonisk musikk generelt, fordi etter første verdenskrig var store romantiske arbeider som dette alvorlig ute av mote. Selv om dette diktet ble fullført mens krigsgrusene dominerte nyheten, foreslår det ikke noe bevissthet om sin større politiske eller historiske situasjon. Snarere forblir en alpesymfoni fokusert på representasjon av et landskap gjennom musikk.


innerself subscribe graphic


Tragiske inspirasjoner

Strauss begynte først å jobbe med hva som skulle bli en alpin symfoni i 1900, under tittelen "Tragedy of a artist" - en referanse til selvmordet av sveitsisk født maleren Karl Stauffer-Bern. I det følgende tiåret satte han prosjektet til side og tilsynelatende byttet orkesterkomposisjon for opera, og oppnådde enorm suksess på scenen med den skandaløse Salome, og den fortsatt mørkere Elektra, før han vendte tilbake til mer tilgjengelig musikalsk billettpris med waltz-fylt Rosenkavalier.

Den umiddelbare impulsen for Strauss tilbake til en Alpine Symphony var den for tidlig død i 1911 av sin venn, den østerrikske komponisten Gustav Mahler. Mahler hadde også farvel til den tyske symfoniske tradisjonen i sin niende symfoni, som utløper utsøkt til intet ved slutten av fjerde bevegelse.

Gustav Mahlers Symphony No.9.

Selv da Strauss tok på seg arbeidet på prosjektet igjen, var navnet hans fortsatt i flux. Han hadde tenkt å kalle det "Antikristen" (etter Nietzsches bok av samme tittel), siden det "representerer moralsk rensing gjennom ens egen styrke, befrielse gjennom arbeid, [og] tilbedelse av evig, fantastisk natur", som Strauss skrev på hans dagbok i mai xnumx. Men da denne tittelen ble tapt til fordel for en alpin-symfoni, var koblingen til Nietzsche skjult.

Mann mot natur

På overflaten er den endelige form av En Alpine Symphony et sonisk portrett av en uidentifisert hovedperson som med hell erobre et fjell. På dette tidspunktet i sin karriere levde Strauss i det minste en del av året i den sørlige bayerske byen Garmisch (i dag Garmisch-Partenkirchen), i sikte på Zugspitze, Tysklands høyeste topp. Strauss elsket å gå vandrende i alpene.

Det ubrukte 50-minuttondiktet inneholder 22-deler som beskriver en rekke landskapsfunksjoner på ruten til og fra fjellstoppet: klatreren går gjennom skogen, ved en bekk, i nærheten av en foss, på tvers av blomstrende enger og beitemark, gjennom tettsteder, og på isbreen før de når toppen, hver av disse foreslås av noen sonisk analog.

Naturens tidsmessige og klimatiske endringer er også fremtredende: dagens hendelser grenser til soloppgang og solnedgang, og turgåeren møter tåke og storm.

Komponistens vanlige ferdighet ved å representere ikke-musikalske enheter gjennom musikk er på fullskjerm her: foss er et spesielt høydepunkt i sin fantasifulle overføring av vannets spray.

Strauss 'fantasifulle gjengivelse av vannets spray.

Å foreslå lyd av bayerske fjellmarker, Strauss brukte cowbells - et instrument som hadde vært memorably kjennetegnet av Gustav Mahler i sin sjette symfoni.

Lyden av bayerske fjellmarker.

Beethovens symfoni nr. 6 (kjent som pastorale symfoni) er på noen måter en presedent for Strauss arbeid. Begge komposisjonene har en bekk, og senere en voldsom storm etterfulgt av en vakker ro. Beethoven, men hevdet at hans symfoni inneholdt "mer uttrykk for følelse enn å male", og tittelen på hans første bevegelse ("Awakening of cheerful feelings ved ankomst i landet") bærer sitt fokus på den følelsesmessige reisen med å oppleve landskapet, heller enn å male landskapet selv.

Strauss, derimot, ønsket å representere naturen i lyd, men også å vise den menneskelige hovedpersonen som opplever det. I denne forstand går han utover Beethoven i modige avbildninger.

Klatreren er introdusert i den tredje delen i a dristig stridende tema, som trygt sporer et skråt stigende kurs - til det trekker opp noen få barer senere, da klatreren løper ut av pusten.

Klatring fjellet.

Dette temaet ble faktisk modellert på en ide fra finalen til Beethovens Femte symfoni, selv om lærde bare oppdaget dette mye senere. Ingeniously, Strauss senere flipper sitt tema opp ned som fjellklatreren stiger ned i storm gjennom stormen.

Stormen kommer.

Innenfor klarer klatreren å nå toppmøtet. Her bytter Strauss landskapsmaleri for å fremkalle følelser av triumf som han selv ville ha opplevd mange ganger i hans fjellvandringer.

Enda en gang er åpningen av dette nye temaet et lån, denne gangen fra andre bevegelse av den tyske komponisten Max Bruchs kjære Violinkonsert nr. 1. Strauss omformer denne ideen til et forbilde av sublim storhet - symfonisk musikk på sitt mest monumentale.

Spiller med historie

Det finnes andre, løsere forbindelser til tidligere musikk. Åpningen av Strauss tone dikt minnes om forkynnelsen av Richard Wagners opera, Das Rheingold, åpnings drama av hans 4-delt ringsyklus.

Begge verkene begynner fra et sted med stille stillhet, hvor musikken gradvis vokser i høyhet og livlighet. De to komponistene prøvde å representere naturen i sin mest primale form, og den spirende av livet som oppstår av det. Interessant, da en tenåring Strauss ble tatt opp en storm i fjellet, kanaliserte han opplevelsen til en improvisert piano komposisjon: "Naturlig stor tone-maleri og smarminess à la Wagner" skrev den prangende 15-årige, uten å være fan av Wagners musikk på den tiden.

Men da han skrev en Alpine Symphony, hadde Strauss vært en kortbårende Wagnerian i mange år. Det er sannsynlig at dette var en bevisst hyllest til effekten Wagner opprettet - selv om de faktiske temaene i begge passasjer er ganske forskjellige.

Enda en annen form for allusion finnes i blomstrende engerpassasje, hvor de tilhørende plukkede strengene ("pizzicato") og mellifluous strengeskrift sterkt husker en tekstur typisk for tysk komponist Johannes Brahms.

Brahms 'Academic Festival Overture utført av den amerikanske komponisten Leonard Bernstein.

Selv Strauss tidligere arbeider er revidert: eksplosjonen til livet på "Soloppgang"I en alpin symfoni er lik en av hans tidligere og mer berømte åpninger: starten av Også Sprach Zarathustra - hvor profeten hilser solen. Denne passasjen er blitt ikonisk, takket være bruken i Stanley Kubrick 2001: A Space Odyssey.

Strauss 'Sprach Zarathustra gjør også en minneverdig intro i 2001: En Space Odyssey.

Og til slutt, åpningen av en alpinsymphoni med sine sakte nedadgående skalaer, sitater direkte fra starten av strauss mye tidligere F mindre symfoni. Her kommer Strauss tilbake til begynnelsen for det som viste seg for å være hans siste store orkestraltonedom.

Jordnær

Så hva betyr alle disse lånene og allusjoner? Først sementer de bildet av Strauss som arving til de tyske musiktradisjonene. Strauss hadde gjennomgått en kort Brahms-forelskelse før han overbevisende overførte sin troskap til Wagner, og dette hadde også gått ut. Ikke desto mindre reproduserte Strauss ikke tidligere ideer på et passivt mote i sin Alpine Symphony. I stedet forvandlet han og reworked et bredt spekter av kilde materialer.

Mer radikal var fortsatt Strauss større agenda, hvor han deler selskap fra sine symfoniske forløpere. Siden minst Beethovens tid hadde symfonien blitt behandlet som en halvhelgig sjanger. Det ble oppfattet å ha metafysisk betydning. Skribenten og kritiker ETA Hoffmann uttrykte det således i en berømt gjennomgang av Beethovens femte symfoni i 1810: "Musikk avslører mennesket et ukjent verden, en verden som er ganske skille fra den ytre sensuelle verden som omgir ham."

I de siste tiårene har musikkologer som Charles Youmans har anerkjent at Strauss agenda i hans orkestrale komposisjoner bevisst var i strid med dette. Han avviste disse metafysiske pretensjonene, og hans eksplisitte tone-maleri i verk som En Alpine Symphony uttrykker en mer jordet, jordisk agenda. Nietzsche kalt inn Også sprach Zarathustra for menneskeheten å "forbli tro mot jorden; tro ikke de som snakker til deg av andre verdenskelige forhåpninger ". I naturen hadde Strauss funnet et jordisk objekt som var verdig til tilbedelse.

For noen tiår senere planla Strauss å skrive et nytt tonedikt som heter Der Donau (Donau), en hyllest til Wien Philharmonic Orchestra. Men han kom aldri lenger enn de foreløpige skissene.

En alpine symfoni forblir derfor sin siste betydelige produksjon i denne arenaen. Det er mange måter å nærme seg dette arbeidet på: Vi kan glede oss over den soniske skjønnheten av overflaten, eller beundre hvor smart Strauss har forestilt seg naturen på musikalsk måte, eller hør i det farvel til en tradisjon Strauss selv hadde subtilt undergravd.

Det er en mer komplisert sammensetning enn det ser ut til å være. Og som det forsvinner gåtfullt inn i nattlig mørke, så gikk et strålende kapittel i tysk symfonisk musikk med dette arbeidet inn i historien.

Om forfatteren

David Larkin, universitetslektor i musikkvitenskap, University of Sydney

Denne artikkelen ble opprinnelig publisert på Den Conversation. Les opprinnelige artikkelen.

Relaterte bøker:

at InnerSelf Market og Amazon