I Bachs tid var pipeorgelet et av verdens mest teknologisk avanserte instrumenter. Stefano Bianchetti/Corbis via Getty Images

Se for deg et storslått hus på en høyde, etter mørkets frembrudd en høstnatt. Når døren åpnes, stikker et orgel gjennom den tykke stillheten og ekko gjennom de hule salene.

Melodien som kommer til mange, vil være Johann Sebastian Bachs Toccata og fuga i d-moll, BWV 565, et orgelverk komponert tidlig på 18-tallet. De fleste mennesker i dag gjenkjenner det som et sonisk ikon for en viss type frykt: hjemsøkende og arkaisk, den typen ting som sannsynligvis blir produsert av noen - et spøkelse, kanskje - som har på seg en smoking og lurer i et forlatt herskapshus.

 Bach kunne ikke trodd at hans nesten 9 minutter lange orgelstykke ville bli så sterkt assosiert med hjemsøkte hus og skumle maskineri. Som musikkforsker hvis nåværende forskning er fokusert på den musikalske representasjonen av mystikk, ser jeg historien til denne sangen som et klassisk eksempel på hvordan musikkens mening, bruk og formål kan endre seg over tid.

30 sekunder med ren spenning

Bach var en teknisk dyktig musikalsk håndverker og komposisjonsforsker. I sitt arbeid søkte han pliktoppfyllende å tjene sin arbeidsgiver, enten det var en luthersk kirke, et kongelig hoff eller et byråd. Han var ikke som de berømte komponistene fra senere tidsepoker – Mozart, Haydn, Liszt – som brukte talentene sine til å bygge berømmelse og øke sin innflytelse.

Som Bach-forsker Christoph Wolff har påpekt, Toccata og Fuge tilhører repertoaret av virtuose showstykker som Bach skapte for å vise sin egen dyktighet som orgelspiller.

For Bach, som ikke etterlot noen dokumenter knyttet til dette stykket, ville verket kun ha vært funksjonelt, en måte å vise orgelets evner og bruke talentet sitt til god bruk – ikke en indikasjon på følelser, historier eller andre ideer.

Musikken til Bachs Toccata and Fugue skylder mye av sin skumlehet til dramaet den bruker: Harmonisk er den satt i en dyster liten modus som generelt er på linje med mer negative følelser som tristhet, nostalgi, tap og fortvilelse.

Innenfor denne mollmodusen slippes en slående melodisk kontur løs. Stykkets første tonehøyde er den femte skalagraden i stedet for den første tonehøyden på skalaen. Den uventede beskjeden skaper usikkerhet. Så er det en rask nedstigning ned D-moll-skalaen etter det første flimrende ornamentet.

Legg til dette den stille bakgrunnen og de gravide pausene mellom musikalske fraser, og de første 30 sekundene er ren spenning. En sterkt kontrasterende tekstur – med mange toner stablet opp på hverandre – følger, og introduserer soniske sammenstøt og rik harmoni som svulmer med kraft.

Stykket beveger seg raskt etter denne fascinerende begynnelsen, og følger nådeløst et mønster av solofigurer ispedd massive, dunkende akkorder.

Orgelets hjemsøkende effekt

Lydene fra pipeorgelet forsterker stykkets skumle lyd ytterligere.

Under barokktiden - omtrent 1600 til 1750 - orgelet nådde høyden av sin popularitet. På den tiden var det et av menneskehetens mest teknologisk avanserte instrumenter, og musikere fremførte rutinemessig orgelmusikk under gudstjenester og på konserter som ble holdt i kirker.

Men som musikolog Edmond Johnson har forklart, mange instrumenter foretrukket i barokktiden, som orgel og cembaloen, hadde gått av moten på 19-tallet, oppbevart i lagerrom der de samlet støv.

Da musikkhistorikere og gamle musikkrevivalister først brakte disse instrumentene ut for offentlige fremføringer etter mer enn et århundre i lagring, hørtes de nå ukjente instrumentene arkaiske og knirkende ut for publikum.

Musikolog Carolyn Abbate har kranglet at musikk kan være «klebrig», og samler nye betydninger etter hvert som kontekster endres og tiden går. Du kan se dette på veien Schuberts berømte "Ave Maria" - opprinnelig skrevet som akkompagnement til ordene i Walter Scotts dikt "Lady of the Lake" - ble assosiert med katolsk andaktsmusikk. Eller veien Tsjaikovskijs "Nøtteknekkeren" endret seg fra en undervurdert nyromantisk ballett i Russland på 19-tallet til en populær årlig juletradisjon i USA

En sang som festet seg

Så hvordan ble stykket assosiert med Halloween?

Én landemerkefilm bidro sannsynligvis til inntrykket av at Bachs Toccata og Fuge varsler noe uhyggelig: 1931 utgivelse av "Dr. Jekyll og Mr. Hyde.» Rouben Mamoulians berømte adaptasjon av Robert Louis Stevensons roman bruker Bachs Toccata i åpningstekstene. Åpningsteksten til 'Dr. Jekyll og Mr. Hyde' (1931).

Stykket setter en tone av spenning og antyder dybden av ondskap som Dr. Jekyll vil møte i sine eksperimenter. I filmen blir Dr. Jekyll fremstilt som en amatørorganist som liker å spille Bachs musikk, så det er lett for en lytter å bruke Toccataens dramatiske, spennende og komplekse natur på Dr. Jekyll og hans alter ego.

Siden den gang har musikken også blitt brukt i andre skumle filmer og videospill, inkludert "The Black Cat”(1934) og det "mørke slottet" videospill serie.

Selv om Bach selv ikke ville ha tenkt på Toccata og Fuge i d-moll som skummelt, vil ikke opprinnelsen som et ufarlig konsertverk hindre det i å sende et gys nedover ryggen på folk hver Halloween.

Megan Sarno, assisterende professor i musikk, University of Texas i Arlington

Denne artikkelen er publisert fra Den Conversation under en Creative Commons-lisens. Les opprinnelige artikkelen.